Se dovessimo riassumere l’arte Barocca in una sola parola, questa sarebbe “spettacolarità”. Sviluppatosi tra la fine del XVI e l’inizio del XVIII secolo, il Barocco è stato un periodo di rottura radicale con la razionalità e l’armonia dell’arte Rinascimentale.
Il suo obiettivo non era più la contemplazione equilibrata di uno spazio costruito a misura d’uomo secondo regole proporzionali e geometriche, ma suscitare la “grande meraviglia” nello spettatore, coinvolgendolo emotivamente e spiritualmente in uno spettacolo grandioso ed attraente. Non a caso, questo stile fu promosso con forza dalla Chiesa Cattolica della Controriforma, desiderosa di riaffermare la propria potenza, e dalle monarchie assolute per esaltare lo splendore del potere regale.
Inquadriamo attraverso il breve video, le caratteristiche essenziali dello stile Barocco, che trovi anche riassunte nello schema sintetico soprastante.
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La luce: un riflettore acceso sui protagonisti della storia
L’elemento più innovativo e distintivo del Barocco è l’uso rivoluzionario della luce, che smette di essere solo illuminazione per diventare un vero e proprio strumento narrativo e drammatico. La concezione dell’arte nell’età Barocca è molto teatrale e teatrale risulta anche la luce.
Un maestro dello stile pittorico seicentesco è Caravaggio. Nella sua pittura, la luce non è mai diffusa, ma entra nella scena come un fascio obliquo e puntuale che squarcia l’ombra profonda. Questo potente chiaroscuro non solo modella le figure, ma dirige l’attenzione dello spettatore, conferendo all’evento un fortissimo impatto scenografico e teatrale, spesso per evidenziare il gesto sacro o cruciale agli occhi dello spettatore.
Caravaggio univa a questo anche un realismo “da scandalo” rifiutando l’idealizzazione rinascimentale e usando modelli presi dalla vita di tutti i giorni, anche per le sue scene sacre. Questo gli valse molti rifiuti ed aspre critiche perché il suo realismo risultava offensivo agli occhi della Chiesa controriformista, molto attenta a conservare intatta la sacralità degli spazi e delle immagini.
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La luce assume una valenza simbolica anche nella scultura di Bernini, raggi dorati e fonti luminose nascoste sono impiegati per simulare un intervento divino o miracoloso, come accade nella celebre Estasi di Santa Teresa.
Il genio eclettico del Bernini
Il Barocco è universalmente definito l’Arte del movimento e si allontana dalla concezione dello spazio razionale e della visione in prospettiva centrale tipiche del Rinascimento.
In scultura, Gian Lorenzo Bernini è il maestro incontrastato del Seicento italiano. Egli mirava a catturare l’attimo di massima tensione drammatica ed emotiva, infondendo alle figure un dinamismo coinvolgente. Il marmo, sotto le sue mani, sembrava farsi “carne viva”, come si vede ne Il Ratto di Proserpina. Ma anche negli straordinari virtuosismi delle lavorazioni, come puoi vedere nelle foto di Apollo e Dafne poco più sotto.
Bernini eccelleva inoltre nella creazione di un’opera finale (o Bel Composto), in cui scultura, architettura e pittura si fondono per un effetto scenografico unitario. Il suo Baldacchino di San Pietro ne è l’esempio monumentale, mentre il colonnato di Piazza San Pietro fu concepito come un “abbraccio ideale” che accoglie i fedeli.
Qui il video con breve biografia di Bernini, rapida carrellata su alcune opere rappresentative e focus sul progetto per piazza San Pietro.
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l’architettura tormentata di Borromini
L’architettura, guidata da Francesco Borromini, si spinse verso l’instabilità dinamica. Egli abbandonò la simmetria e le forme classiche, introducendo linee concave e convesse che creano superfici in costante movimento. Non solo: Borromini padroneggiava l’uso della prospettiva per l’illusione ottica, ideando la “prospettiva accelerata” (come nella Galleria di Palazzo Spada) che altera le proporzioni per far apparire lo spazio molto più profondo di quanto sia in realtà
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Questo video ci porta ad esplorare Palazzo Spada, al cui interno si trova la Galleria Spada di cui fa parte il celebre corridoio dalla prospettiva accelerata, progettato da Borromini.
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Scopri attraverso il video sottostante (11 minuti) la figura e le principali opere dell’innovativo architetto Borromini.
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Dal realismo ai nuovi generi pittorici
L’arte Barocca non si limitò ai grandi temi religiosi o allegorici, ma si aprì a una grande varietà di soggetti e stili, soprattutto in Europa, dove mancavano le grandi commissioni della Controriforma, sostituite invece da quelle della ricca borghesia mercantile.
Si affermarono così i nuovi generi pittorici meno impegnativi e svincolati dalla Fede:
- Scene di Genere: La rappresentazione di momenti di vita reale e quotidiana, spesso in contesti borghesi, divenne un genere autonomo e diffuso, in particolare in Olanda con artisti come Jan Vermeer.
- Natura Morta: La pittura di oggetti inanimati, fiori e frutti si diffuse con un realismo vivido. Questi soggetti spesso veicolavano messaggi simbolici sul passare del tempo e sulla fragilità della vita (vanitas) come ad esempio la canestra di frutta del Caravaggio.
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In Europa, i principi Barocchi si adattarono ai contesti locali. Nelle Fiandre, Pieter Paul Rubens si distinse per il trionfo del colore sul disegno e per il forte dinamismo narrativo. In Spagna, Diego Velázquez offrì un realismo intenso e complesso nella sua pittura di corte, con opere come Las Meninas, note per i complessi giochi di prospettiva. Infine, in Olanda, Rembrandt van Rijn utilizzò il chiaroscuro per creare un’atmosfera intensamente emotiva e un profondo senso di umanità.
In sintesi, l’arte Barocca è stata un’esperienza sensoriale in cui l’eccesso, la luce direzionata come un riflettore teatrale e la distorsione prospettica hanno trasformato l’opera d’arte da rappresentazione serena a dramma emozionante e in movimento aprendo poi la porta a quello che avverrà con il virtuosismo sfrenato dello stile Roccocò.
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